社会工作者画画作品赏析

新冠肺炎疫情暴发以来，海外青年华人艺术家们积极用自己的作品为抗疫成功做贡献。从捐款捐物到举办“云上音乐会”，从创作油画到设计珠宝海外青年华人艺术家积极创作，用作品向人们传递战胜疫情的力量。

《守望者——听樱花开的声音》是该系列的第一幅作品。“守望寓意着人与人之间互相帮助，也寓意着中国的其他省份援助湖北。听樱花盛开的声音则代表着我们期望湖北省早日战胜疫情。”

该画的主体是一名身穿防护服的护士在抱着一名婴儿。谈及该画的创作灵感来源，汤雨松表示，“有一则新闻报道是一名刚产下的婴儿，由于父母都是新冠肺炎患者，只能与父母隔离开，由护士在照顾”。

在画作中，护士紧紧地握住婴儿的手，被托举的婴儿的形状像湖北省的版图形状。汤雨松说：“在画作中，婴儿象征着湖北，护士象征着中国，我想用我的画作向人们传递一种信心：有祖国作为强大的后盾，湖北省一定可以战胜这次疫情。”

以上内容参考今日头条—用艺术作品激励人们抗疫

《捣练图》系唐代画家张萱之作。此图描绘了唐代城市妇女在捣练、络线、熨平、缝制劳动操作时的情景。画中人物动作凝神自然、细节刻画生动，使人看出扯绢时用力的微微后退后仰，表现出作者的观察入微。其线条工细遒劲，设色富丽，其“丰肥体”的人物造型，表现出唐代仕女画的典型风格。 《捣练图》工笔重彩，亦系宋徽宗摹本，现藏美国波士顿美术博物馆。《捣练图》描绘了从捣练到熨练各种活动中的妇女们的情态，刻画了不同人物的仪容与性格。表现的是妇女捣练缝衣的场面，人物间的相互关系生动而自然。从事同一活动的人，由于身份、年龄、分工的不同，动作、表情各个不一，并且分别体现了人物的特点。人物形象逼真，刻画维肖，流畅，设色艳而不俗，反映出盛唐崇尚健康丰腴的审美情趣，代表了那个时代人物造型的典型时代风格。 执绢的妇女身躯稍向后仰，似在微微着力；熨练妇女认真专注的表情，端丽的仪容，恰如其分地表现了温厚从容的心情。在绢下好奇地窥视的女孩，以及畏热而回首的煽火女童，都生动引人。画家表现妇女捣练活动，不只是描绘捣练、络线、织修、熨烫等的活动过程，他既重视人物形象的塑造，而又注意刻画某些富有情趣的细节，使得所反映的内容，更具有生活气息。 唐代是我国古代文化艺术发展到繁荣昌盛的时代。当时的绘画兴旺鼎盛，产生出近四百名有史可查的优秀画家，遗留下诸多异彩焕发的艺术杰作。现在让我浅释张萱及传其所绘的《捣练图》。 张萱（公元713—741年），京兆（陕西省西安）人，开元时曾任史馆画直。“善起草”，对亭台、树木、花鸟、皆穷其妙，尤擅长仕女画。在《宣和画谱》所载绘画作品中，有不少是描绘贵族妇女游春、梳妆、鼓琴、奏乐、横笛、藏迷、赏雪等悠雅闲散生活场景的画迹。画中的贵族妇女大都具有曲眉丰颊，体态肥硕、服装头饰繁缛华丽的突出特点，被称做“绮罗人物”。在他之前，以妇女为专题的绘画不多，专画妇女现实生活的就更少见，象顾恺之《女史箴图》一类的画，大都是和宣扬封建道德戒规相联系的。从这一角度看张萱画现实生活中的妇女题材，有一定进步意义。当然他画妇女是站在地主阶级立场、为地主阶级填补精神空虚服务的。 在仕女画发展的早期——汉魏晋时期，画家笔下的仕女多是秀骨清相，薄衣广袖。在这一时期绘画理论著作中称仕女画家为“青工绮罗”。到仕女画发展到中期的唐五代时期，朱景玄在《唐朝名画录》中始有“仕女’”之称。画家创作的仕女形象也演变成张萱画中所描绘的形象，以求更加符合于当朝统治者的审美趣味。在唐代，精工仕女的画家有张萱、周肋等，张萱是周昉的的老师，其工细妍丽，代表了唐代仕女画的典型风格。但因时代久远，张萱的绘画作品多数都散佚无存。现存的《捣练图》卷、《虢国夫人游春图》卷和《武后行从图》虽或为后人摹本，但仍可令人窥见其绘画技艺之一斑。 现藏美国波士顿博物馆的《捣练图》卷是一幅工笔重设色画，表现贵族妇女捣练缝衣的工作场面。“练”是一种丝织品，刚刚织成时质地坚硬，必须经过沸煮、漂白，再用杵捣，才能变得柔软洁白。这幅长卷式的画画上共刻画了十二个人物形象，按劳动工序分成捣练、织线、熨烫三组场面。第一组描绘四个人以木杵捣练的情景；第二组画两人，一人坐在地毡上理线，一人坐于凳上缝纫，组成了织线的情景；第三组是几人熨烫的场景，还有一个年少的女孩，淘气地从布底下窜来窜去。。画家采用“散点透视法”进行构图，把整个捣练的劳动场面分三部分呈现在读者面前。同时，他不单纯图解劳动的程序步骤，而是注重对劳动场面中流露情绪的细小动作的描绘，似求得更好地展示出笔下人物的性格和心理活动。如捣练中的挽袖，缝衣时灵巧的理线，扯练时微微着力的后退，几个小孩的穿插，一女孩在煽火时以袖遮面及另一女孩出神地观看熨练等，使画面中的人物与场景真实生动，充满生活情趣。显然，这是画家熟悉生活、认真观察的结果，体现了唐代仕女画在写实方面取得的杰出成就。画家以细劲圆浑、刚柔相济的墨线勾勒出画中人物形象，辅以柔和鲜艳的重色，塑造的人物形象端庄丰腴，情态生动，完全符合张萱所画人物“丰颊肥体”’的特点在技法的运用上也与之相差无几，是我们了解和研究张萱、周昉仕女画及唐代仕女画成就的重要参考资料。 米勒于1857年完成的《拾穗者》，本来是一幅描写农村夏收劳动的一个极其平凡的场面，可是它在当时所产生的艺术效果，却远不是画家所能意料的。 这幅画原来的题目是《八月》。表现的是一个收获场面使富饶美丽的农村自然景色与农民的辛酸劳动形成了对比。接近米勒的几位社会活动家看到了这幅画中可贵的真实，建议画家修改构图直至最后前景上只剩下三个拾穗粒的农妇形象。这一修改，竟使作品产生了惊人的社会效果。 这幅表现农民境况的《拾穗者》在沙龙展出后，引起了资产阶级舆论界的广泛注意。一些评论家写文章说：画家在这里是蕴有政治意图的，画上的农民有抗议声。有人在报纸上发表评论说：“这三个拾穗者如此自命不凡，简直就象三个司命运的女神。”《费加罗报》上的一篇文章甚至耸人听闻地说：“这三个突出在阴霾的天空前的拾穗者后面，有民众暴动的刀枪和1793年的断头台。” 发人深思的是，《拾穗者》何以能产生如此大的震动？米勒的一位艺术辩护人朱理·卡斯塔奈里曾这样来描述这幅画：“现代艺术家相信一个在光天化日下的乞丐的确比坐在宝座上的国王还要美；……当远处主人满载麦子的大车在重压下呻吟时，我看到三个弯腰的农妇正在收获过的田里捡拾落穗，这比见到一个圣者殉难还要痛苦地抓住我的心灵。这幅油画，使人产生可怕的忧虑。它不象库尔贝的某些画那样，成为激昂的政治演说或者社会论文，它是一件艺术品，非常之美而单纯，独立于议论之外。它的主题非常动人，精确；但画得那样坦率，使它高出于一般党派争论之上，从而无需撒谎，也无需使用夸张手法，就表现出了那真实而伟大的自然篇章，犹如荷马和维吉尔的诗篇。” 《拾穗者》是米勒最重要的代表作，这是一幅十分真实的，亲切美丽，而又给人以丰富联想的农村劳动生活的图画。从中不难看出画家对劳动的甘苦，特别是“汗滴禾下土，粒粒皆辛苦”的意义是有着切身的深刻体验的。整个作品的手法极为简洁朴实，晴朗的天空和金黄色的麦地显得十分和谐，丰富的色彩统一于柔和的调子之中，它像米勒的其它代表作一样，虽然所画的内容通俗易懂，简明单纯，但又绝不是平庸浅薄，一览无余，而是寓意深长，发人深思，这是米勒艺术的重要特色。米勒是十九世纪法国现实主义在师，他的大量的以农民题材为主的油画、素描、版画至今仍给我们深刻的启示与鼓舞。 《拾穗者》描写了一个农村中最普通的情景：秋天，金黄色的田野看上去一望无际，麦收后的土地上，有三个农妇正弯着身子十分细心地拾取遗落的麦穗，以补充家中的食物。她们身后那堆得像小山似的麦垛，似乎和她们毫不相关。我们虽然看不清这三个农妇的相貌及脸部的表情，但米勒却将她们的身姿描绘有古典雕刻一般庄重的美。三个农妇的动作，略有角度的不同，又有动作连环的美，好像是一个农妇拾穗动作分解图。扎红色头巾的农妇正快速的拾着，另一只手握着麦穗的袋子里那一大束，看得出她已经捡了一会了，袋子里小有收获；扎兰头巾的妇女已经被不断重复的一上一下弯腰动作累坏了，她显得疲惫不堪，将左手撑在腰后，来支撑身体的力量；画右边的妇女，侧脸半弯着腰，手里捏着一束麦子，正仔细巡视那那已经拾过一遍的麦地，看是否有漏捡的麦穗。农妇们就是如此往复地劳动着，为了全家的温饱，怀着对每粒粮食的感情，耐心而不辞辛苦地拾着麦穗。 画面上，米勒使用了迷人的暖黄色调，红、蓝二块头巾那种沉稳的浓郁色彩也融化在黄色中，整个画面安静而又庄重，牧歌式地传达了米勒对农民艰难生活的深刻同情，和米勒对农村生活的特别的挚爱。

梵高 向日葵凡高的艺术是伟大的,然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在代的前面,的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象,他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰,满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,凡高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体

弗雷德里克·莱顿（ Frederic Leighton ， 1830——1896 ）是 19 世纪末英国最有声望的学院派画家，他辉煌的艺术光芒甚至冲淡了雷诺兹的影响，成了英国皇家学院派的代名词。不像 19 世纪大部分画家那样，莱顿并没有在皇家艺术学院学习，他在布鲁塞尔、巴黎、法兰克福接受绘画训练， 1852 年他搬到罗马居住，古典艺术给了他很大影响。 1855 年，他回到英国，他的作品 Cimabue's Madonna 展出并被维多利亚女王购买，这是他事业的转折。 1878 年，莱顿当选为（英国）皇家艺术学院院长。 1896 年受封为男爵。他是英国唯一获此殊荣的画家。他于同年去世。%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%《缠毛线》 1878年 弗雷德里克·莱顿 英国 × 布 油彩悉尼 新南威尔士美术馆藏画家沿用古典绘画法则，以学院派绘画的严谨，描绘了缠毛线的母女。年轻的母亲坐在凳子上，姿态优美地绕着毛线，衣裙的表现呈现古典风格；小女孩全神专注地配合着母亲，扭动着身体，一幅稚气。莱顿以古典手法去表现生活，因而使作品有呆板僵化之感，并且流露出缺少真实情感表现的缺陷。%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%《阅读》 1877年 弗雷德里克·莱顿 英国 × 布 油彩利物浦 萨德利艺术博物馆藏这是一幅富于情节性的肖像画，一少女盘腿坐于地摊上，认真、专心地在阅读画册。女孩身着的浅黄色衣裙极富质感，与深色的背景形成对比，更衬托出女孩的专注神情。女孩面容娇好，纯洁严肃，显示出较好的教养。整个画面体现出一种学院派的严谨与优雅。%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%《炽热的六月》 弗雷德里克·莱顿这幅画模特 Dorothy Dene 自 80 年代（十九世纪）中期之后成为莱顿许多作品的灵感来源。独特的视角，加上模特身体优美的弯曲（拉斐尔的许多作品因此而成功，评论家把这称为女性身体的韵律）使这幅画与众不同。艳丽的色彩也使这幅作品格外抢眼。%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%《海边的希腊少女》 弗雷德里克·莱顿%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%《陶醉》 弗雷德里克·莱顿%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%《音乐课》 1877年 弗雷德里克·莱顿 英国 × 布 油彩伦敦市政厅美术馆藏莱顿以学院派极其严谨的态度描绘了音乐课的情景。女教师微微俯身帮助女孩调试琴弦，女孩则依在女教师胸前弹拨着六弦琴。这只是一幕普通的音乐课情景，却被画家描绘得极富美感韵味。女教师面庞秀美清丽，身着长裙，花纹、质地被画家描绘得十分逼真；小女孩则被描绘得天真烂漫，纯真无邪，表情认真，显得十分可爱。衣服、面部及背景的描绘，都体现出学院派画风，但是这幅作品却有着内在的充实。

你好！可以把妨碍传染病传播的途径通过美术作品的形式生动形象地展现出来，这样比文字描述更加形象，也避免了文字宣传的枯燥无味。美术作品能让防疫理念更加地深入人心，在防疫中起到积极的社会作用。以上都是纯手打，希望可以帮到你！

▲ 米勒原作《播种者》

米勒对大自然和农村生活有一种特殊的深厚感情，他早起晚归，上午在田间劳动，下午就在不大通光的小屋子里作画，他曾说过：“无论如何农民这个题材对于我是最合适的。”米勒在巴比松的第一幅代表作品是《播种者》，这也是米勒第一次被官方沙龙所接收的作品，1848年，法国二月革命爆发，工人农民等下层阶级的反抗起了很大的作用，在这样的时代背景下，一向保守的官方沙龙对《播种者》作者一反常态，这或许是由于米勒在这幅画中所刻画的乃是时代中真实的个体，而不是他们之前所青睐的那些神话人物。 —— 劳动光荣

▲《拾穗者》1857年，让.弗朗索瓦.米勒

，布面油画

巴黎奥赛博物馆藏

让·弗朗索瓦·米勒的《拾穗者》绘于1857年，是一幅现实主义题材的作品，画面很简单，三名农妇正弓着腰捡麦穗。从整体上来看，《拾穗者》是一幅“运动”的画作，人物都排列在不同的位置，做出不同的动作，虽然是农民题材的作品，却能感受到画面带给我们的美感。米勒的整体构图严格按照黄金分割比来安排，黄金分割是公认最能引起美感的比例。

《拾穗者》反映的是农民的疾苦，如同在富裕阶层的一片汪洋中扔下了一块石子，它最珍贵的地方在于如实记录生活，把现实中的细节搬进了画作。

米勒出生于农民家庭，但从小热爱绘画，为了练习绘画技巧，接触更大的世界，米勒去了巴黎，当时巴黎的很多画家都为贵族工作，出现了许多贵族肖像画，这都跟米勒的艺术追求背道而驰，最终他选择搬去巴比松村，就是在这里，他画出了《拾穗者》。

19世纪70年代以前的法国农村，还处在封建宗法制度下，农民生活艰苦，富人阶层却无动于衷，法国报纸上曾有一篇文章写道：“这三个突出在阴霾的天空前的拾穗者后面，有农民暴动的刀枪和1793年的断头台。”

《拾穗者》具有警示作用，它太过真实，使人产生可怕的忧虑。

梵高很崇拜米勒，曾说：“在米勒的作品中，现实的形象同时具有象征的意义。”

▲ 梵高《夕阳下的播种者》1888年

《夕阳下的播种者》属于文森特后期的画作。从这幅作品的色调上来说，一如既往的继承了文森特后期作品炙热的感觉，主体色调采用钴蓝和橙色的对比色调。这是太大胆的做法，对，他在人们眼里一向是不可理喻的人！他身边的人都惧怕这个红头发的怪物。整幅画对比色调的拿捏度的精度要求高，而文森特在这一点上的准确度很精确，整幅画彰显给人明亮醒目的视觉效果。就是这样的一个画家，将他的画作留给了整个艺术节，并成为一个桎梏，这种影响力不管是过去还是现在，将来都给人们带了震撼。

从文森特的内心来解读，这幅画具有“收获季节”的含义，从事画家这一行业的这些年来，他只得到了弟弟提奥的支持，因此他在内心深处渴望得到来自家庭和外界的支持和认可。拉大透视视角，除了美感上的需求，更给了人们在欣赏这幅作品之余，对了远方的世界有了更多所的遐想。这是否代表着文森特对于未来的翘首期盼呢。夕阳照耀散发的光芒采用了斑驳的笔触，以及在西山将要日落之时，夕阳仍然陈浮现出完整光芒四射的状态，更加坚定无疑的表达出来文森特的内心的呐喊——渴望生活！

狂热，奔放，大胆，是《夕阳下的播种者》的定义。或者文森特对于人物的比例概念不如其他的画家来的功底深厚，但他带给我们的是另一种视觉的高端享受。要读懂文森特，就要读懂他的画，而他的话有来自于他内心激昂自我以及对艺术的热诚。

▲ 米勒 《晚钟》 油画 66 

1859年作 现藏于巴黎奥塞美术馆

看到这对在田间默默祈祷的农民夫妇，我们仿佛也听到了远方依稀可见的教堂传来的钟声：这“钟声”好象越来越大，传得越来越远…… 也许是这对伫立在农田里剪影一般的农夫与地平线交叉的形式使人联想到了庄严、神圣的“十字架”，从而，拉近了农夫、教堂与观赏者的距离并强化了教堂钟楼的“音响”感应；也许是由于日暮余辉的笼罩、屏息静思的农夫和静穆沉寂的大地的反衬；也许是由于画家刻意把人物、景物恰如其分地虚化，不但人物、景物、教堂以及教堂里传出的“钟声”可以融为一体，好象观赏者为画中人、画中景、教堂及教堂钟楼里传出的钟声也融成了一体……

这浓郁强烈的宗教情感，这凝重圣洁的宗教气氛，这庄严、肃穆、令人敬畏的宿命色彩和安贫乐道的基督徒形象，这深沉、悠远、悲壮的诗意境界，这直指人心的精神魔力；如果不是一个虔诚的基督教徒，没有在宗教境界修炼到一定程度，没有深厚的文学艺术修养，没有巨大的精神投入和高超出众的绘画技艺，是很难创作出这样的杰作的。

这外在粗陋、朴实，甚至木纳、痴呆，而内心纯净虔诚、温顺善良的农民形象，不仅体现了米勒对农民的深深理解和深厚的感情，也体现了19世纪后半叶艺术家强烈的民主意识以及现实主义的求实精神。

▲ 列宾《伏尔加河上的纤夫》

《伏尔加河上的纤夫》（俄文名：бурлак на волге ，英文名：Volga River trackers）是俄国批判现实主义画家伊里亚·叶菲莫维奇·列宾于1870年至1873年间创作的一幅油画，现收藏于圣彼得堡俄罗斯国立美术馆。该画描绘了在伏尔加河畔一组在沉闷压抑的气氛中奋力拉纤的纤夫群像，反映了俄国纤夫苦难的生活，寄托了画家对下层人民群众悲惨生活的同情，也艺术地体现了作者民主主义革命的思想。

▲ 《赞省的割麦女人从田野归来》

瓦西里格列高里耶维奇彼罗夫（1834-1882）

1874年，布面油画，×65厘米左下方签名：1874 В. Перовъ1939年从莫斯科黑尔策尔处收藏

《梁赞省的割麦女人从田野归来》 尺寸并不大，却体现了画家在若干造型问题上进行尝试的努力。农妇经过劳累的一天从金色的田野回家，这个主题和真实的农村生活直接相关。同时，“道路”母题在俄罗斯艺术中非常流行，它直接关系到人类存在的普遍话题，关系到流浪、徘徊、生活道路等问题。画面描绘了不同年龄的农妇，有些人静静地走着，有人则停下来沉思，聆听大地母亲的声音。彼罗夫采用横向构图，人像产生有规律的节奏，割麦女人在收割的谷物中行走，给人留下动作缓慢、平稳的印象，让画面充满音乐旋律，令人想起俄罗斯的民歌。（塔季扬娜尤坚科娃）

▲ 《拾麦穗的女人》

莱昂·奥古斯丁·莱尔米特（雷欧·来尔米特）

1891年 画布油画

莱昂·奥古斯丁·莱尔米特（法国，1844―1925年）作为19世纪最多产的艺术家之一，莱尔米特的声望在创作这幅画时达到了最高峰。他对现实主义绘画的发展做出了重要的贡献。和许多同时代的画家不同，莱尔米特从未放弃对绘画技术的追求，他在纸上绘制的炭笔画和胶彩画成就斐然。

1890年，对官方美术沙龙感到失望的莱尔米特组织一批志同道合的同行，建立了法国全国美术家协会。《拾麦穗的女人》在该协会的第二次年展中展出，获得极高评价。

▲ 《圣佩尔山的割麦人》

莱尔米特 法国 1883年 画布油画

×厘米

1880年后，画家用几张大幅描绘家乡圣佩尔山乡亲们生活和劳作的画作参展并大获成功，其中就有这幅《圣佩尔山的割麦人》。特别值得一提的是，莱尔米特几次将同样的人物画进作品里，几幅画里的面孔完全可以辨识。这幅画的割麦人就是一个名叫喀什米·德罕的农夫，沉重的劳作后正在休息，对身旁两位粗壮农妇的交谈不理不睬。

莱昂·奥古斯丁·莱尔米特（1844―1925年），出生在法国皮卡第大区的埃纳省，并在那里生活了20年。这正是他眷恋农村生活，几乎所有的作品都用来描绘农事劳作的原因。1874年在法国沙龙取得成功之前，他一直往返于法国和英国之间，靠卖画为生。1880年后，他用几张大幅描绘家乡圣佩尔山乡亲们生活和劳作的画作参展并大获成功，其中就有这幅《圣佩尔山的割麦人》。

▲ 《第二次收获》 杜普荷 1879年

不仅仅是米勒，田园风光也是法国画家杜普荷的最爱， 这幅《第二次收获》，作者用背影搭建成一个稳定的三角形构图，向人们传递着某种坚定和永恒的信息。

▲ 《筛麦妇》库尔贝 131x167cm 1853年

1848年，法国大革命爆发。库尔贝积极投身法国革命。在画布上开始了描绘劳动人民的题材创作。从30岁往后的10年，是库尔贝创作的高峰期。他成功塑造了一批劳动者的艺术形象，创作于1854年的《筛麦妇》就是其中的一幅。

穿红色马甲裙的年轻农妇是画面中的主角。她背对着观众，跪在铺在地上的白布上。她挽着一个方便劳作的发髻，露出修长曼妙的脖子，高举着筛子的两条手臂圆润结实，露出的鞋底似乎告诉我们她可不是那些大门不出二门不迈的富家大小姐。农妇没有任何装饰，却有着无以伦比的健美。她身上的红裙更仿佛一面歌颂劳动的旗帜，振奋着人心。

画面左侧系着头巾、身着灰色衣裙的另一名农妇盘坐在白布上，细心地挑拣着麦粒。画面右侧的男孩翻开木柜，正在搜寻着什么。也许是按照妈妈的吩咐，帮着做家事吧。年幼的男孩穿着绿格子衬衫，脸蛋圆鼓鼓的，一副乐在其中的模样。可以说，库尔贝对整幅画的朴素拿捏得十分精确。他没有过分渲染贫困辛劳，而是将日常劳作表现得欣欣向荣、趣味盎然。

他这样解释自己的画作：“艺术应放在较低的水平上。”他口中的“低水平”当然不是指画画的技法，而是说艺术家的目光应当聚焦于底层劳动人民的朴素之美，献媚上流社会的年代已经一去不返。

更多劳动油画作品欣赏

来表现真情，感动人心，振奋精神，描绘我们这个时代最好的精神图谱，为时代画像，为时代立传，为时代明德。

用画笔记录和讴歌广大抗疫志士的感人事迹，用速写与文字组合的日记形式进行记录和创作，不仅体现了一个艺术家的情怀与担当，更重要的是作者用厚重的文化底蕴记录用户的思考，用驾轻就熟的速写实力进行创作，以心写画，传递内心的一份深深的感动和大爱。

扩展资料：

注意事项：

铅笔直立地以尖端来画时，画出来的线较明了而坚实，铅笔斜侧起来以尖端的腹部来画时，笔触及线条都比较模糊而柔弱。

笔触的方向要整理才不致混乱。

当第一笔画不对时，尽可再画上第二笔，如此画时就有一个标准，容易改正，等浓淡明暗一切都画好之后，再把不用之处的铅笔线，用橡皮轻轻擦去，这样整幅画面就清楚可爱多了。

在绘画时身体应与画板相距一臂左右。如有条件，画板放在画架上最好，如果没有画架，画板放在大腿上也可以。画架一般放置在绘画者的右前方。画者与写生对象之间的最佳距离，通常是对象高度或宽度的3倍到5倍之间，良好的习惯有助于绘画技能的提高。

参考资料来源：中新网-数十幅“抗疫”美术作品亮相瘦西湖畔 再现战“疫”感人

参考资料来源：人民网-绘抗疫美术作品